Hellfire Within Me

Tracklist

1. Music For Prague

Con el manifiesto que establecía Music For Airports, donde la música podía y debía servir a los espacios, Brian Eno dejó claro que su interés por ella no era puramente estético, con lo que nada de tiene de raro su participación en proyectos videoartísticos e instalaciones. Music For Prague sirvió a lo segundo bajo la forma de una única pieza, como ya hiciera en Thursday Afternoon. Lo que tenemos aquí es un único y prolongado motivo que tiene su por qué en los micromovimientos que lo componen, variaciones alrededor de una única melodía donde las pausas, los silencios y la suspensión del sonido actúan como intérpretes. Se trata de una verdadera pieza de ambient, desligada del formato álbum, y por lo tanto representándose por sí misma, sin el apoyo de otras melodías que refuercen el discurso. La estaticidad melódica indica, ya de entrada, la presencia de un espacio, el que será llenado por la pieza. Le resultará incomprensible al profano, quien se sentirá frente a una broma o un ejercicio tedioso. Fascinará a quien sepa correlacionar sonido y física, sin necesidad de conocer la instalación a la que sirviera en su día. Una auténtica rareza, a la vez que un manual de estilo (otro) con el que comprender lo que Eno postulara allá por 1978.

Clean your ears. Tune your mind

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Tracklist

1. W32.Mydoom.AU@mm

2. VBS.Redlof.B

3. Backdoor.Ranky.S

Todo viaje, por iniciático que sea, siempre tiene un -no necesariamente justo- final. Así es el caso de esta odisea que conocemos como Analord donde ya llegamos hasta el onceavo y último sencillo. Y además se despide por todo lo alto de la forma más característica en él, rompernos todos los esquemas con una certera patada en la boca.

La neurosis se desata en la lánguida W32.Mydoom.AU@mm donde va desarrollando una canción de drones estirados hasta el infinito. Las piezas de acid van cayendo en una especie de Tetris musical invertido donde todo encaja por omisión y no aparición. Pero si empezamos con un buen directo a la mandíbula nada mejor que continuar con un codazo en el cuello llamado VBS.Redlof.B. Una canción donde prima la velocidad y sus formas puramente trance que dejan traslucir, sin embargo, un corazón repleto de acid. Sus infames devaneos breakbeat y la recta final glitch de pura lisergia hacen de este tema uno de los must have de la serie. Para acabar la consabida patada final nos da una especie de jazz à la glitch donde todo suena en tono de sospecha. Su oscuridad e introspección hace que todo suene como un robot investigando los bajos fondos más sórdidos de una ciudad imposible. Un cierre tan extraño y peculiar como cabría esperar para este genio loco.

Sin duda alguna, después de medio centenar de canciones repartidos en once sencillos uno no sabe si sentirse triste por el viaje que acabe o increíblemente satisfecho por este orgiástico recorrido. El único consejo que puedo darles desde aquí es que escuchen este sencillo y después, reúnan todos, y escúchenlos todos de golpe uno detrás de otro. La electrónica no conocerá una obra faraónica como está otra vez.

Pasen y vean, por favor.

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Tracklist

1. Blue Morning Light

2. Amateur Cartography

3. Delayed Sunshine Reaction

4. Climb Through The Basement Window

5. Close Your Eyes And Daydream

6. Mood Gradients

7. Windchimes

8. Sounds From Shattered Seashells

9. Morning Walk To The Pier

10. A Physical Transition

11. Sounds From Shattered Seashells (Milieu SBCF2 mix)

12. Amateur Cartography (City Rain remix)

13. Morning Walk To The Pier (Phasen mix)

14. Close Your Eyes And Daydream (Ova Loomen remix)

15. Climb Through The Basement Window (Electricwest remix)

Obfusc es el alias que emplea Joseph Burke, fotógrafo y diseñador gráfico, desde que se convirtiera en artista electrónico. En sus propias palabras, Cities Of Cedar viene a ser un manifiesto sobre la aceptación de la vida urbana, para lo bueno y lo malo. Y lo cierto es que, por una vez, el concepto del álbum y lo que en él se incluye consiguen ilustrarse mútuamente; es decir, se aleja de la caprichosidad de otros álbumes de concepto (que no conceptuales) y consigue transcribir con sonidos lo que se pretende apuntar.

Pese a que este Cities Of Cedar apenas aporta mucho de nuevo al IDM que se practica estos días, sintetiza perfectamente el estado del género, demostrando conocer todos sus movimientos. La aportación original de Obfusc está en equilibrar ambiente y dinámica mientras les inyecta a ambos un sentido melódico refrescante, conmovedor la mayoría de las veces. Sonará a algo ya oído, a un ejercicio de estilo tan respetuoso que roza lo maniqueo, pero uno debe saber leer los sonidos. Si en la introducción hablábamos de que concepto y producto se intercomunican era precisamente por el trabajo de arquitectura sonora que aquí se da. Burke realmente ha construido una ciudad -no un disco- heterogénea, asignándole a cada arreglo una función distinguida. La suma de todo es un trabajo memorable y reconocible teniendo el cuenta el género al que se adscribe. Quizás es que la formación artística de Burke ha sabido traducirse al plano sonoro, casando lo cerebral con lo emocional. Tarea nada fácil si uno pretende definirse a través del IDM.

Clean your ears. Tune your mind

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Tracklist

1. Fenix Funk 5

2. Xmd5a

Acercarse a la décima iteración de Analord es una cuestión de pura fe. Después de otros nueve sencillos que van desde lo sublime hasta lo meramente bueno -lo cual es una piedra en el zapato para Richard D. James- nos encontramos ante la duda de si podrá mantener aun el nivel. ¿Pero qué clase de dudas son esas? Mantiene el nivel, por supuesto.

Y es que ya entrar dentro de Fenix Funk 5 es una de las mayores alegrías que nos han dado las últimas entregas de Analord. En algún punto misterioso entre el funk, el breakbeat y el glitch alocado se va situando esta canción que va mutando cada segundo en diez posibilidades nuevas. Haciendo exactamente lo mismo que hasta ahora consigue una canción diferente, obscenamente camaleónica. Los destellos sinfónicos que dan algunos momentos son la guinda para una pieza que es como el ave fenix de Analord. Pero para Xmd5a ya se decide por este estilo más de reminiscencias sinfónicas para realizar su composición. Pianos lugubres de atmósfera jazz se debaten en un mundo hipertecnificado donde, además, se permite por primera vez ciertas reminiscencias a un sonido más japonés. Una rara avis deliciosa en su carrera.

Id de aquí hasta los confines del mundo, allá donde los infiernos os arrastren hacia ser pasto de las aves de presa, pues vuestro escepticismo en el dios AFX no se perdona. He aquí vuestro profeta, de quien jamás debisteis dudar, que os arrojará hacia las nuevas lides de un sonido sin igual.

Pasen y vean, por favor.

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Tracklist

1. Iamundernodisguise

2. Face To Face On High Places

3. Half Asleep

4. Wired For Light

5. For Kalaja Mari

6. White Elephant Coat

7. Connjur

8. Sempiternal / Amaranth

9. Chain

10. Prince Of Peace

11. My Cabal

12. Half Asleep (alternate version)

La en un principio chocante -new age, synth-pop, shoegazing, dream-pop- mezcla de estilos que se da en School Of Seven Bells podría, sobre el papel, asustar a más de uno. Los dos primeros temas de este Alpinisms causan cierto desconcierto en un primer contacto, y no es hasta el grandísimo “Half Asleep” que uno empieza a comprender la propuesta en su totalidad. Porque es en esta canción donde se manifiesta en todo su esplendor y consigue cuajar lo que antes causaba extrañamiento. Algo que lamentablemente se les ha ido de las manos en su segundo larga duración, “Disconnect From Desire”, que se apoya plácidamente en su estética sin aportar temas especialmente memorables, temas como los que contiene Alpinisms.

La combinación de melodías vocales cuasi religiosas, harmonías marcianas, guitarras infinitas y ritmos de raíz tribal convive con otra línea, con trayectorias más definidas, más pop. Y de la suma de ambas surge un disco extraño, embriagador, dulce pero no abiertamente simpático, principalmente por la profusión de detalles y maniobras en segundo plano que se dan en el aspecto arreglístico. Un salto mortal que, extrañamente, termina bien. Seguramente por la valentía que transpiran los temas, que no disimulan sus ansias experimentales pero saben cómo mantenerlas a raya. Quizás también porque la feminidad de las hermanas Deheza recubre cada segundo de Alpinisms, cohesionando lo que podría haber sido un trip insustancial e indigesto. Lo que sí está clara es la naturaleza aventuresca del proyecto, al menos en este trabajo, que captura muy bien la espontaneidad y las inquietudes de todo primer parto. Una fotografía que ha terminado tristemente decolorada; pero uno no debe perder la esperanza. Alpinisms no fue uno de los mejores discos del 2008 por razones peregrinas; es de esos que te gustará tener siempre cerca de ti.

Clean your ears. Tune your mind

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Tracklist

1. 始めにサッサーからひと言（インスト）

2. 渚の（甘い）思い出

3. ザ☆青春！！

4. 波乗りシーケンサー

5. 3人で少々おしゃべり（曲でない）

6. メロンソーダ

7. ゴールデンウイーク

8. ポルノ映画を♥

9. 赤い女とUFO

10. 愛憎学生5限目の妄想

11. blue

12. そうとうつ

13. ラジオドラマ風『夕立レモンロード』

14. 夕立レモンロード

Si consideramos el primer trabajo de Panic! At the Disco un adalid perfecto de la teatralidad adolescente en lo musical entonces tendremos que afirmar que el primer trabajo de Taiheiyou Belt (太平洋ベルト) es su equivalente nipón. Pero donde los americanos abogan por la adolescencia los japoneses abogan por el rupturismo y una técnica muy bien arropadas por sus excelentes bufonadas. Bienvenidos al circo musical de Belt.

Y es que ya desde el principio es un circo pues 始めにサッサーからひと言（インスト） es una introducción en la que Belt nos cuenta ante lo que nos encontramos. Además la sencilla melodía de caja de música en conjunto con el sonido del mar nos dejan entrever que viene ahora; la esquizofrenia. Melodías juglarescas, alocadas, que se van conformando entre composiciones aceleradas y aniñadas entre chirridos de música de feria. Las melodías están saturadas de sonido de las más diversas y divertidas maneras. Un acordeón puede sonar infantil, Bloody Tears puede ser la base para una canción que suena 8bits cuando no lo es y coros femeninos hacer todo un juego de puro candor. Pero incluso entre los excesos brutales aquí se esconde mucha técnica. Aquí encontramos instrumentación de espíritu garage en general pero también hay toques shoegaze y mucho, muchísimo power pop. El conjunto es como un cruce entre The Pillows, Bootsy Collins, Nacho Vegas y Weezer puestos de MDMA en una sesión de improvisación de 40 minutos. Charlas pretendidamente pseudo-dramáticas incluidas en la grabación.

Pero si solo puedo decir una cosa es que Taiheiyou Belt es el grupo más punk que podrán echarse a la cara. Canciones sobre porno coreada por voces infantiles y espíritu cirquense son la combinación más arrebatadoramente punk que un servidor ha oído en muchísimo tiempo. Y es que si antes decía que 海っ子NOW！① es un disco esquizofrénico es por algo; Bell está como una puta cabra pero hizo un disco absolutamente perfecto.

Pasen y vean, por favor.

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Tracklist

1. Symphonies

2. U + Me =

3. Ecstasy

4. Alone

5. Cocoon

6. Yours

7. Pump My Pumps

8. Wonder

9. Cigarette Pack

10. Life Slash Dreams

11. I Love Life

12. Let Go

Este es un disco que, pese a sus numerosos defectos, esconde un extraño talento para deconstruir géneros y mezclarlos de formas insólitas. Claro que sus defectos vienen precisamente de ese gusto por la experimentación; no podemos hablar de muchas composiciones afortunadas. Sin ser un hype en toda regla ni haberse convertido en un éxito inmediato, lo de Dan Black es digno de ser atendido. Es un disco casero, grabado íntegramente con un ordenador portátil, signo de los tiempos que corren, producido meticulosamente, aunque no siempre acierte en las decisiones estéticas que toma. Algo que nos devuelve, de nuevo, a ese arma de doble filo que es la imaginación de Black.

El indudable buen gusto demostrado en “Symphonies”, hit sentimental construido sobre un sample del tema de Jack Nitzsche que cerraba “Starman”, no se extiende al resto del disco. Y es que “Symphonies” es, ya desde la elección de su sample, una preciosa declaración de principios. Pero UN quiere ser demasiadas cosas. Quiere reinterpretar demasiados géneros, conseguir que unos en principio antitéticos convivan en la misma composición. El problema es que esa voluntad queda delegada en la producción y no en el área compositiva, con lo que las intenciones de Black quedan a menudo traicionadas por temas sin apenas sustancia más allá de algún destello de genio en la postproducción. Black tampoco es un cantante memorable, lo que no consigue levantar esos temas; debe reconocérsele implicación, pero eso no basta para avivar canciones que languidecen desde su mismo principio. Y es que el contraste con “Symphonies” termina perjudicando seriamente al resto del trabajo. Si esa puntería estética se hubiera contagiado al resto de UN, estaríamos hablando de un disco imprescindible, de un interesante punto de inflexión dentro del mainstream. Lo triste es plantearse esa posibilidad mientras los cuarenta y cinco minutos de UN se eternizan y el corazón pide otra escucha a “Symphonies”.

Clean your ears. Tune your mind

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Tracklist

1. Introduction

2. The Only Difference Between Martyrdom and Suicide Is Press Coverage

3. London Beckoned Songs About Money Written by Machines

4. Nails for Breakfast, Tacks for Snacks

5. Camisado

6. Time to Dance

7. Lying Is the Most Fun a Girl Can Have Without Taking Her Clothes Off

8. Intermission

9. But It’s Better If You Do

10. I Write Sins Not Tragedies

11. I Constantly Thank God for Esteban

12. There’s a Good Reason These Tables Are Numbered Honey, You Just …

13. Build God, Then We’ll Talk

En la música hay más factores aparte de los meramente musicales para poder juzgar el trabajo de un grupo. Por ejemplo la teatralidad de un grupo puede encumbrar un disco ya de por si potente hasta ser un arquetipo de que debería ser un disco de su género. Y como no A Fever You Can’t Sweat Out es todo un adalid de teatralidad, artificio y diversión desde la primera hasta la última de las notas.

Definir el trabajo de Panic! at the Disco es dificil por la cantidad de prejuicios que despiertan las etiquetas con que podemos denominarlos. Desde luego no es emo y el pop punk se les queda muy corto para lo que hacen ellos. Pero sí están en una tradición que les sitúa entre My Chemical Romance, Green Day y Fall Out Boy. Pero aquí hay muchísimo indie pop muy bien entendido, hay devaneos hacia Fugazi y sobretodo, una personalidad arrolladora. Todas las canciones son grandilocuentes y épicas, son un mazazo de pura diversión en un teatro de grotesco espíritu adolescente. No se lleven a engaño, aquí la adolescencia no es un defecto sino una gran virtud que ninguno de los grupos donde se les sitúa consiguen siquiera acercarse. No importa desde donde o como nos acerquemos, A Fever You Can’t Sweat Out tiene algunos de los himnos más absolutamente geniales de la decada. Sumemos a esto que se adelantan por varios años a todas las corrientes que aúnan cierto sonido techno solo que mejor hecho y tenemos la formula. Este es una genialidad absoluta de disco.

Las alocadas guitarras, las baterías bien colocadas y los bajos frenéticos acompañan un par de juego de voces con tantísima personalidad que incluso My Chemical Romance intentarán copiar en su último disco. Todos los grupos de su generación han decaído hasta casi desaparecer mientras Panic! at the Disco se alzaron con unos temas que crean escuela. Si necesitan más razones para dejar de lado sus prejuicios y escuchar esta obra maestra no se merecen escucharlo.

Más información.

http://www.redemptiondenied.com/2008/05/284.php

Pasen y vean, por favor.

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Tracklist

1. Main Title

2. Search

3. The Call

4. Creation

5. Vengeance

6. The Journey

7. Grind

8. Rain Forest

9. Abyss

10. The Mountain Road

11. Impressions Of Sorcerer

12. Betrayal (Sorcerer Theme)

De los scores que Tangerine Dream ha compuesto, éste es uno de los pocos salvables, junto a los de “The Keep” y “Thief”. Por dos motivos. Uno, que entiende las imágenes a las que debe servir. Y dos, que la dosis de cacofonías, tratándose de ellos, esta aquí afortunadamente modulada.

“Sorcerer” fue el remake que William Friedkin hizo de la francesa “Le Salaire De La Peur” (aquí “El Salario Del Miedo). Un remake respetuoso con el original, pero que incrementaba la carga de sordidez y asfixia; algo a lo que contribuyó positivamente el trabajo de los alemanes, quienes se diría que jugaban a ser John Carpenter. Lo que sí queda claro es que se propusieron hilar una serie de temas opresivos, por donde apenas pasa el aire, dándose a un constante ejercicio de repetición/tensión; la estrategia más obvia, cabe decir. Pero, claro, se trata de Tangerine Dream, y el feísmo gratuito y el kitsch campan a sus anchas. Además, éste score no despega hasta “The Journey”, que viene a ser el primer gran tema y el más emblemático, al sintetizar bastante bien lo que narraban las imágenes y, de ese modo, enfatizarlas. Los mejores temas son aquellos centrados exclusivamente en los sintetizadores, mientras que los más insoportables son los que recurren a amorfas guitarras eléctricas. Sí, es un mal que atacaba a mucha electrónica de entonces. La horterada, el cubrir espacios con sonidos impertinentes, romper las harmonías en lo que sólo puede ser entendido como una ráfaga de amateurismo. Quien disfrute de la candidez de esta clase de electrónica tendrá en éste un gran disco. El cinéfilo podrá contentarse con la mencionada “The Journey” y rememorar el excelente trabajo de Friedkin, sí. En cualquier caso se trata de un disco exótico, por lo que de estética añeja contiene, mientras que por otro lado es un perfecto manual que lista los errores en los que no se deben caer al componer electrónica. Lo digo más que nada porque aún hoy en día se dan la clase de aberraciones que sólo Tangerine Dream era capaz de cometer. Y eso es algo muy grave.

Clean your ears. Tune your mind

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Tracklist

1. Kitto Sore de ii

2. HONEY

3. 12ji no Hari ga Ochitara

4. This is the love with Hamada Mariko

5. JASMINE with Hotei Tomoyasu

6. Fairy

7. Mayonaka no Merry-go-round with Teshima Aoi

8. Tsuki no Ura no Kagami

9. CUBE

10. I come through

11. Kono Ame Mitai ni Naitekatta kedo

12. Umareta Hi

La one man band 大橋トリオ, quizás más conocido en occidente como Ohashi Trio, nos aporta una necesaria frescura dentro de la anquilosada escena j-pop. Su propuesta es ya una vieja conocida en el lugar, la fusión del pop con elementos más cercanos del jazz y la bossa nova. Pero donde otros grupos se quedan a las puertas del triunfo total, 大橋トリオ las sobrepasa con paso firme y el orgullo de un rey.

El treintañero y multi-instrumentalista Ohashi Yoshinori nos ofrece una experiencia de sabor lounge que vira sin ningún problema hacia el pop más indie. Sus percusiones acompañan siempre un sonido caribeño excelso que nos mueve hacia los mejores sonidos salidos de Brasil. Pero aquí no queda la cosa, también hace gala de unos bajos excelente, de inspiración funk, y algunos de los mejores usos del piano desde Ryuichi Sakamoto. Y es que el famosísimo pianista japonés en un clarísimo referente dentro del sonido de Yoshinori. Pero también lo es la algo menos famosa Hiromi de la cual hereda ese sonido cercano al free jazz que de vez en cuando dejan escapar sus partituras. El conjunto son unas composiciones vivas, con un ritmo envidiable que van fluctuando de unas a otras sin problemas con una dulzura entrañable. No importa si se decanta por un aspecto más jazz o uno más bossa, esa base de indie pop amable siempre se esconde detrás de unas melodías que suenan sencillas pero esconden un gran trabajo compositivo.

Yoshinori se mueve como un rey entre las notas de sus canciones, controlando todo como un demiurgo. Como un rey bufón impone la tiranía del amor y del hacer lo que nos de la gana siempre que cumpla una única regla: que sea bonito. Y en NEWORLD de 大橋トリオ todo es bonito hasta lo inconmensurable. Algo bonito hasta doler.

Pasen y vean, por favor.

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Tracklist

1. I Don’t Kvetch

2. Grace

3. System Cost

4. Keiji’s Dream

5. Personal Spaces

6. Aquarius

7. Shine (Mint remix)

8. Musicbox Skit

9. Tricycle Days

10. Shoes Too Big For Her Feet

11. Dorothy’s Song

12. Dead Pixel

13. Whispering Gallery

Al escucharlo pensarán que se trata de IDM genérico, del montón. Y pese a que atiende a las constantes del género, respetándolas en todo momento, Cardboard Rocketships parece aspirar a ser un disco de pop al uso, cosa que consigue sin problemas gracias a una colección de temas con motivos y melodías reconocibles, con sus puentes y estribillos. Los sonidos, claro está, tienden a la abstracción, pero el cuerpo de cada canción es, por lo general, uno tradicional. Y es en esa concreción, combinada con las dispersiones y los giros del IDM, donde realmente brilla.

Cardboard Rocketships abraza mayormente los ambientes luminosos y las cadencias alegres, pero también sabe virar hacia la oscuridad, cosa que hace en “System Cost”, “Personal Spaces” y “Dead Pixel”, temas de colores más apagados y atmósferas menos simpáticos. El resto es todo vitalidad, cielos azules, escenarios de ensueño. Podría servir como banda sonora a un videojuego; algo que sugiere sin, miren por dónde, recurrir al chiptune. Y como buen IDM que es, gusta de laminar las composiciones, mimar los arreglos y apuntar con maestría en el tema de las programaciones. Un festín para los oídos que no se ofrece, sino que se impone, tal es su belleza y astucia. Pero siempre pueden cogerlo como lo que también es, un disco de pop. Claro que éste está compuesto por algunos de los paisajes más embriagadores que uno recuerda en la electrónica reciente.

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Tracklist

1. One Wish

2. Look What You’ve Got

3. The Distance

4. Proof

5. Fallin’ Apart

6. Come and Go

7. Change

8. Adrenaline

9. Open Sword

10. Shed a Tear

11. Life After Death

12. Ten Times Da Pain

Los extrarradios de la música suelen tener propuestas más interesantes que el acomodado centro musical. Por otra parte underground también suele esconder joyitas en sus guettos de tráfico de material altamente subversivo. ¿Pero qué hay de la clase baja de la música? Aquellos que encuentran su lugar ya que son demasiado familiar para el underground, demasiado mainstream para los extrarradios del indie y no lo suficientemente comerciales para el centro de las major. Estos generalmente forman grupúsculos fuera de la ciudad del mercado musical como por ejemplo en el caso de KingSizeNine, en Jamendo.

Como los autores de este tumblr KingSizeNine son unos jóvenes que crecieron a medio camino entre el hardcore/emo de los 90’s, el grunge y las nuevas tendencias que ya atenazaban el principio de los 00’s. Y es que el grupo suena a una perfecta combinación de todos estos elementos. Aquí encontramos un hardcore noventero muy bien entendido que, añadiéndole unas pinceladas à la Texas is the Reason nos dan canciones grandilocuentes de puro nervio. Pero no se queda ahí la cosa, las guitarras y algunos ligeros guturales, todo heredado de cierto nu metal primigenio, le da un empaque propio. Lo curioso llega en sus canciones más tranquilas cuando se deja asomar una cierta cantidad de lo que se hace llamar post-grunge que les acerca a algún interesantísimo punto medio entre Alter Bridge y FACT. Un hardcore desmelanado y pasional que va directo como una bala hacia nuestros corazoncitos para conmoverlos con tiernos punteos de guitarra. Incluso se permiten algunos temas que nos recuerdan invariablemente a unos Alice In Chains hardcorizados en un espectacular recuento de lo mejor de los 90’s en géneros cercanos al extremo.

Pese a todo KingSizeNine tienen un problema muy grave: son un grupo generacional. Gran parte de la pasión que despiertan en servidor es por todas las influencias, los detalles y la sonoridad heredada de una época de oro de la música más cercana al mainstream. Así, cualquier que hoy oscile entre los 20 y los 30 y vivieran los movimientos antes citados, sin duda alguna, sentirá una gran pasión por este Proof of Life de KingSizeNine. Los que no se encontraran un interesante ejercicio de estilo que no va más allá de una ejecución bien planteada y alguna canción pegadiza. Interesante pero generacional.

Pasen y vean, por favor.

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Tracklist

1. Ultravisitor

2. I Fulcrum

3. Iambic 9 Poetry

4. Andrei

5. 50 Cycles

6. Menelec

7. C-Town Smash

8. Steinbolt

9. An Arched Pathway

10. Telluric Piece

11. District Line II

12. Circlewave

13. Tetra-Sync

14. Tommib Help-Buss

15. Everyday I Love

“Ultravisitor es mi espectáculo de belleza y terror. Es indescifrable, y jamás será comprendido por nadie, mucho menos por su autor”.

Palabras de Tom Jenkinson, cerebro y único miembro de Squarepusher, quien con el presente elevaba su discurso a algo poco menos que divino. Sin abandonar sus orígenes acid y su gusto por la cacofonía matemática, Jenkinson afianzó aquí su formación jazzística y la llevaba a un estadio inenarrable. Todo disfrazado de falso directo, donde murmullos, vítores y aplausos abren las piezas, éstas encerradas en una atmósfera espacial grandiosa, fruto de una constante reverberación.

La pieza titular, un trabajo maestro, sintetiza perfectamente lo que encontraremos en adelante: montones de líneas melódicas entremezclándose, percusiones fragmentadas e insistentes, murallas de ruido en las que se pierden los motivos instrumentales y cobran formas terroríficas, capas de teclados que envuelven al oyente… y por supuesto, el virtuosísimo bajo de Jenkinson. Porque Jenkinson no es un experimentador caprichoso, por mucho que sus excesos y desvaríos inviten a pensarlo. Si uno desnuda sus composiciones más enrevesadas, encontrará a un músico consciente de su genialidad, capaz de manipular lo que se proponga, que parte de fundamentos clásicos y los hace desembocar en una hermosa forma de demencia estilística. Esto es, Jenkinson no es un operario electrónico, sino un visionario, un músico tradicional forzando los límites de la música. Ultravisitor pide mucha paciencia y reflexión. Incluso en piezas de -aparente- jazz clásico como “Andrei” o “Every Day I Love”. Luego están otras, pequeñas islas que van formando una cadena perfectamente coherente. Temas como “Iambic 9 Poetry”, que desmenuzan un jazz, engañan al oído desde el suave riff de guitarra principal para tomarlo a fuerza de batería dislocada. O “Tommib Help Buss”, amargo reprise del precioso “Tommib” incluido en el previo Go Plastic (2001), y que descubre el tacto melódico de Jenkinson. Porque no lo duden, tras la marea de breaks n’ beats, sintetizadores histéricos y velocidad terminal que vertebran Ultravisitor, existe una sensibilidad extrema. Hasta la fecha, y sin discusión, la obra maestra de Squarepusher.

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Tracklist

1. Red

2. Every Wolf Every…

3. The Pleasure Dome

4. Matic

5. Larry Park

6. Efrom (The Retarded Rabbit)

Una actriz porno existencialista, aunque lo raro sería encontrar una que fuera fenomenologista, que hace música electrónica experimental es el sueño húmedo del hipster medio. Y admitámoslo, también es el nuestro. Pero Sasha Grey y Pablo St. Francis no nos dan esa prometida experimentación sino más bien un clásico ejercicio de estilo más próximo al glitch que al noise.

En aVigillant Carpark hay espíritu industrial y como dicen sus propios autores, sin duda alguna, hay mucho de música concreta, el problema es que no hay nada más que eso. El desarrollo es titubeante, sin inspiración, el ruido blanco está muy mal usado y cuando tiran exclusivamente de glitch parece una composición de hace 80 años. Tampoco se salva en la adición de voces, donde quedan como un intento de parecer las composiciones de Nic Endo en solitario que quedan en aguas de borraja. Solo en Larry Park encontramos algo de vida con un noise ortodoxo, nada del otro mundo, al atreverse al menos a meter ligeramente el hocico en los campos del ruidismo. Quizás pueda funcionar como una propuesta nostálgica de rescate de la música concreta o, incluso, de las composiciones futuristas, pero cualquier intento de adentrarse en cualquier clase de experimentación contemporanea fracasa estrepitosamente.

No me malinterpreten, este EP de aTelecine no es malo, es simplemente un anacronismo mal entendido. Nos lo vendieron como una cosa y la realidad es que aquí hay un ejercicio muy clásico, demasiado, con una presuntuosidad por parte de sus ejecutores que no tiene barreras. Merece ser escuchado por la curiosidad de ver como se puede imitar la música electrónica de hace más de medio siglo hoy. En cualquier otro caso hay propuestas subterráneas que se merecen muchísimo más que se hablen de ella que no aTelecine.

Pasen y vean, por favor.

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Tracklist

1. Casting No Shadow

2. A Tiels Leis

3. Hirose

4. You See

5. Multiple 12

6. Naviamente

Utilizado íntegramente como banda sonora para el film “Li / Between The Devil And The Deep Blue Sea”, este disco se aleja de la producción habitual del minimalista belga, ofreciendo una faceta suya menos popular, si es que puede considerarse a Mertens un músico popular. Esta edición -la original del sello Les Disques Du Crépuscule- cuenta con un tema menos que el remaster aparecido en 2003; ésta es pues la edición original, un trabajo de piano y voz -la de Mertens- sobrenaturales, igual de desgarrado que el personaje que interpretaría Stephen Rea en la mencionada película. Se trata de composiciones que van de lo lúgubre a lo luminoso, grabadas con una producción austera, casi invisible, lo que conecta al oyente directamente con Mertens. Piezas que no pertenecen a ningún tiempo concreto, y que vienen de la fusión entre vanguardia y clásica que practica su autor; el resultado aquí es verdaderamente escalofriante, siendo uno de sus discos más accesibles. No se puede hablar de verdadera alegría aquí, más bien de una ahogada, que sólo tiene como excepciones el allegro de “Hirose” y la pasión furiosa de “You See”.

Clean your ears. Tune your mind

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Tracklist

1. step in

2. henrietta (gunsteppa mix)

3. eat you up inside

4. section 9 (stand alone complex)

5. raped by the ninja

6. …into the hands

7. bisvoalshabops

8. reblaster

9. henrietta (all washed up reprise)

10. dreambreak destiny

11. step out

Cuando uno se enfrenta ante un disco de lolicore espera escuchar una combinación aberrante entre speedcore y samplers de personajes de anime en situaciones, en el más suave de los casos, erótico-festivas. Pero de no dejarnos llevar por el prejuicio podremos encontrar que el lolicore es algo muchísimo más allá de simplemente eso. El caso más evidente es el último disco de goreshit, un excepcional ejercicio de electrónica de vanguardia que, sí, es lolicore.

Transitando en un delicado equilibrio entre el IDM y el breakcore vemos como steppa es una obra de sentimiento anime pero forma inglesa. En esta ocasión los samplers de anime brillan por su casi total ausencia pero los efectos de sabor 8-bits le dan ese toque nipón que tanto necesita una composición de estas características. Lo demás es un elaborado IDM en el cual asistimos a perfectas progresiones mientras, entre medio, se sumerge en las delicadas estructuras polimorfas del breakcore. Pero si se quedara en eso no solo no nos terminaría de sorprender sino que se haría un disco largo y repetitivo. Sin embargo goreshit asume riesgos y se decide por tintar con fuerza alguna de sus melodías de un muy buen dub (…into the hands) o se sumerge en las turbulentas aguas del breakcore más experimental (eat you up inside) Aunque lo que realmente hará las delicias de los más fanáticos del género será la brutal raped by the ninja, una composición de un breakcore inteligentísimo que hace uso de unas atmosferas oscuras que dan un empaque ambient violentado al conjunto.


Sin duda alguna steppa es un disco raro, tanto en términos generales como en la propia discografía de goreshit. Pero sus devaneos por otros géneros, su espíritu ambient y su fuerza compositiva le hace un disco muy recomendable. De este modo reivindica el género uno de sus mayores exponentes, no solo explotándolo sino también llevándolo hasta un nuevo nivel. Nos ofrece una experiencia de anime cyberpunk musical de arte y ensayo.

Pasen y vean, por favor.

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Tracklist

1. Big Black Hole

2. These Days

3. Come On

4. Never See You Again

5. Car Crash

6. Think Again

7. Love Is An Action

8. The Girl Who Had The World At Her Feet

9. Wall Of Sound

10. See The Light

Olvídense de pretenciosos ñoñetes como Coldplay o Keane. Si hay un grupo británico que merezca la pena por su reivindicación del piano como instrumento principal en el pop rock contemporáneo, esos son The Hours, que de recordar a alguien lo hacen a Doves, otra gran banda injustamente ignorada por el mainstream pero con todo lo necesario para conquistarlo.

See The Light es todo dramatismo y épica, pero justificados por algunas composiciones vibrantes, llenas de frenéticos fraseos pianísticos y guitarras cristalinas. El álbum al completo se ciñe a ese mismo sonido; no hay sorpresas, pero no es estrictamente monótono. Sí podría decirse que los temas pecan de ambiciosos, que la producción es pomposa y en ocasiones resulta lo único interesante. El problema principal está en ciertas ínfulas FM, en la reiteración de los estribillos, que parecen buscar la catarsis comercial. Otro problema lo tenemos en los temas más lentos, que resultan interminables y empalagosos. En cualquier caso The Hours merecen ser defendidos por rescatar cierta escuela de pop grandilocuente a la Tears For Fears, poco menos que denostada hoy en día.

Clean your ears. Tune your mind

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Tracklist

1. Cosmetics

2. Paper Slippers

3. Stood Up

4. Here Comes the Rain

5. Oilfields

6. Concrete

7. The Ballad of Sisyphus T. Jones

8. Fortitudine Vincemus

9. You’re Trying to Break Me

10. O Putrid Sun (for Yuko)

Cualquier persona en sus cabales que conozco el trabajo de J. G. Thirlwell se pondrá a temblar si lo ve aparecer con un nuevo trabajo para que lo escuche. Esto lo sabe Thirlwell y por eso quizás se atreve con la experimentación última que puede darnos el industrial: crear industrial con música puramente orquestal. Sin duda alguna consigue un disco por el cual se crean imperios por su mera inspiración.

En este Hide de Foetus hay todas esas pequeñas claves que todos esperamos en un trabajo de Thirlwell. Hay mucha experimentación, cantidades obscenas de xinofilia y un estilo sórdido y oscuro. Pero lo que hay en este disco en mayor cantidad es una épica wagneriana deslumbrante. En unas coordenadas más cercanas, a priori, al estilo de Einstürzende Neubauten el disco más absolutamente chiflado de su carrera. Desde los giros locos hacia un estilo más cercano de los Beatles hasta cierta concreción en distorsiones más propias del heavy clásico más que un disco Hide parece una compilación de las principales corrientes de la música popular contemporanea. Estas mezclas sin absoluto pudor en un grueso orquestal nos da un peculiar estilo neo-clásico donde lo industrial nos lo dan las escalofriantes percusiones, los aterradores violines y los helados vientos. No hay aquí nada que no sea una obra catedralicia, épica y brutal. Desde la primera hasta la última nota todo es grandilocuentemente fascinante.

Es alucinante ver como un músico después de tantos años de carrera como la de J. G. Thirlwell no solo no da muestras de agotamiento, sino que empieza a dar ahora sus mayores joyas. Si ya en su día inventó el industrial ahora lo reinventa sin miedo en la clave que precisamente intentaban destruir: la música formal y la música popular. Esta mastodóntica composición es una obra maestra inmediata, un disco que nadie debería dejar de escuchar. Jamás.

Pasen y vean, por favor.

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Tracklist

1. Isolation

2. Silent Shades

3. Same Circle

4. November 15th

5. Hand In Hand

6. Moving In Slow-Motion

7. Diachronic

8. Thermograffiti

9. New Day

10. Words That Bind Us

11. Sleepless Youth

12. Tribal Session

13. End

Otro Pearl Harbor por parte de Japón. El emo rock USA contemporáneo debería avergonzarse frente a grupos como Nothing’s Carved In Stone, y en especial frente a éste su debut, una coctelera de estilos más o menos adyacentes donde todo es posible y nada, absolutamente nada, peca de previsible o maniqueo. La comparativa se hace necesaria para establecer el contraste -abismal- que resulta de ella. Y volvemos al carácter esponjiforme de los nipones para lo artístico: todo manierismo y estrategia foráneo está perfectamente asimilado por NCIS. Es más, mejoran a sus referentes por la ruta de lo imprevisible, de un talento admirable para la fusión de géneros.

Imaginen la precisión y frenetismo de Shellac, la épica de unos Jimmy Eat World en sus buenos tiempos, el flujo de cuerdas de Don Caballero… son sólo tres de las influencias que más y mejor asoman, aunque todo referente es insuficiente para describir la oferta de NCIS. Encontrarse con dejes de rock progresivo en pleno clímax, ése es un buen ejemplo del tipo de giros que se permite la banda. Lo mejor de todo es que estas sorpresas aparecen insertadas con naturalidad. Claro que ellos pueden; su nivel técnico es altísimo, a años luz de sus ¿equivalentes? estadounidenses. Así es que ese despliegue de florituras instrumentales se digiere fácilmente, porque todo está integrado en la canción, todo se hace por y para la canción; una política se diría que impopular en estos días de posers y talentos encleques. Lo justo pues es desvincularles del emo rock, por mucho que éste sea su rasgo más reconocible. La sensación al escuchar a NCIS es la de estar ante un banda de hombres, hombres que canalizan emociones adultas a través de un rock lleno de aristas, alambicado. Todo hits, nada que pueda ser llamado desecho, un debut enorme por parte de una banda que sólo pide ser respetada. La producción, faltaría más, anda pareja al nivel instrumental y compositivo.

Lo dicho, Pearl Harbor II.

Clean your ears. Tune your mind

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Tracklist

1. Between Heaven And Hell

2. Sold My Soul

3. Road Back Home

4. Way Beyond Empty

5. Throwin’ It All Away

6. What You’re Lookin For!

7. Dead As Yesterday

8. Too Numb To Cry

9. The Things You Do

10. 1,000,000 Miles Away

11. I Thank You Child

12. Evil Ways

13. The Color Green

14. Peddlers Of Death

Si tenemos que elegir un adalid del metal en los 90’s sin duda alguna nuestra elección más obvia y potente es Zakk Wylde. Su sonido particularmente duro y oscuro le hacen uno de los guitarristas más auténticamente salvajes del género. Pero como buen fanático de la música no le valía con circunscribirse a un único sonido, necesitaba diversificarse. Y la cara tira para el monte, de ahí surge esta pequeña gran obra maestra del southern rock que es Book Of Shadows.

En este disco nos encontramos todo lo que esperamos de un disco del género y algo muchísimo más allá. Tenemos canciones infinitas de guitarras épicas, alocados banjos y bajos sólidos como impenetrables murallas pero también tenemos algunos extrañamente naturales toques de órgano. Pero esto es un disco de Zakk Wylde, hay mucha distorsión con mucha fuerza y los instrumentos se desbocan en singulares y perfectas carreras hacia el infinito. No solo las guitarras son excepcionalmente buenas, con un toque oscuro à la John 5 que asusta, sino que toda la instrumentación le va a la zaga. Y en lo temático también se desmarca desde el cariño y el abrazo por la visión más redneck de la vida. No faltan canciones sobre la vuelta a casa o sobre los amores perdidos pero este disco es, esencialmente, un trabajo conceptual. La venta del alma al diablo, tan propia de los bluesman, parece el denominador común en todo este trabajo. La situación entre el cielo y el infierno, ventas de alma y continuas burlas a la muerte es lo que encontramos en este sensacional trabajo.

Podríamos decir que Book of Shadows es, simple y llanamente, la versión actualizada a la visión del mundo de Wylde de los tópicos sureños. Claro, esto sería quedarnos muy cortos como hemos visto, ya que consigue que su visión del mundo sea una parte más del mundo sureño. Un disco imprescindible para cualquiera que afirme que le gusta el rock y, sobretodo, para aquellos tenemos un pequeño sureño dentro de nosotros.

Pasen y vean, por favor.

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